Beckeraachen

Kunstwechsel


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Hot Images 3

Hot Images – mimetic – iconic
Digest of a conference with slide projections in 1992 at the Nobel Library of the Swedish Academy in Stockhlom
Hot images shine up and disappear. They are part of the images which enter us regularly. They are hot for some time and cold afterwards. A hot image is obsessive.
Mimetic images seem innocent. They are narrative, they can consist of many elements. On the contrary, iconic images can be dangerous, being a concentrated amalgams of meanings, compressions of power.
Kurzfassung eines Dia-Vortrags, den ich 1992 in der Bibliothek Nobel der Schwedischen Akademie in Stockholm gehalten habe. Zum Englisch üben.
DIE DIAS:
1. The Aachen Cathedral
2. Robert Indiana, Love Rising, 1968 + Erik Bulatov CCPC 1988
3. Andy Warhol Brillo and Campbell Boxes 1964 Sammlung Ludwig + Erik Bulatov Perestroika 1988 photographed in Moscow
The artists´engagement in publicity letter, words and images can simply prolong strategies of publicity itself – Bulatov simply celebrates the new era in his painting -, but it can also, in a strategy of analysis, describe meaning: in the fatal iconography of Warhol Brillo soap pads are cross instruments of purification and Tomato Soup stands for blood.Scan_20190619 (5)Scan_20190619 (3)


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Das Ludwig in Aachen nostalgisch

DAS LUDWIG FORUM IN AACHEN NOSTALGISCH
Es sieht so aus, als hätten die Väter dieser ehrwürdigen alten Stadt und die Köpfe der mächtigen modernen Hochschule das Interesse an einem aktivem „Weltkunstzentrum“ verloren, zu dem sich alle Beteiligten lautstark bekannten, als sie dem Sammler Peter Ludwig für seine ausufernde Sammlung zeitgenössischer Kunst die weitläufige Ruine der Brauerschen Schirmfabrik anboten. Da heute überall das Bauhaus gefeiert wird, darf auch der Aachener Architekt Joseph Bachmann geehrt werden, 1928 den Bauhaus-Stil nach Aachen gebracht zu haben, um der größten Schirmfabrik Europas Platz zu bieten, täglich bis zu 10.000 Schirme zu produzieren.
Konsequent nennt die Künstlerin Lilith Lindner ihren Scherenschnitt in Wellpappe „Ehemalige Schirmfabrik Brauer“, der in diesen Tagen in der Galerie Freitag 18.30 hängt, und zeigt im Katalog andere „ehemalige“ wie die Bastei, deren aegerundete Ecke zur Monheimsallee ebenso den Blick auffängt wie die der Schirmfabrik zur Jülicher Straße. Weiter hat die Bastei nichts mit dem großen gelb-roten Klinkerbau auf einem Stahlbetonskelett zu tun, den i den 80er Jahren der renommierte Architekt Fritz Eller mit großem Einfühlungsvermögen in ein FORUM der Künste umwandelte. Freilich sind auch Scherenschnitte aus Wellpappe geeignet, Häuser von Bedeutung wiederzugeben, aber dem Medium haftet sicher heute der Charakter einer „bricolage“ an, einer Kuriosität, die sich dem Inhalt, dem dargestellten Gegenstand vermittelt. Von dem Anspruch des Hauses, des Ludwig Forums für internationale Kunst, sind wir umso weiter entfernt, als das Bild tatsächlich nicht das des Forums, sondern das der ehemaligen Schirmfabrik ist.
http://www.lilithlindner.de Foto: Gerd PlitznerLilith Lindner LuFo


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Hot Images 2

Hot Images – mimetic – iconic

Digest of a conference with slide projections in 1992 at the Nobel Library of the Swedish Academy in Stockhlom

Hot images shine up and disappear. They are part of the images which enter us regularly. They are hot for some time and cold afterwards. A hot image is obsessive.

Mimetic images seem innocent. They are narrative, they can consist of many elements. On the contrary, iconic images can be dangerous, being a concentrated amalgams of meanings,  compressions of power.

Kurzfassung eines Dia-Vortrags, den ich 1992 in der Bibliothek Nobel der Schwedischen Akademie in Stockholm gehalten habe. Zum Englisch üben.

DIE DIAS:

  1. The Aachen Cathedral
  2. Robert Indiana, Love Rising, 1968 (in der Neuen Galerie – Sammlung Ludwig Aachen) + Erik Bulatov, Trademark, 1986, beide Sammlung Ludwig

Both Paintings transport “Trademarks” with a double meaning. The golden emblem of the Soviet Communist party put on top of an euphorical sky reproduces the highquality guarantee stamp of the Soviet industry in the Breschnew era and is, appropriated in a contemporary painting, a cynical comment to the products which this industry produces.

Using publicity language in the arts has become internationally common, since the New York artists in the late 50ies developed the strategy. Indiana´s work is based on stamped and stenciledletters, and the love emblem he created became as popular as if it had been developed and distributed by a publicity agency. Painted in black and white in 1968, a year of political uprisings and breaks, the painting is meaningfully dedicated to the death of Martin Luther King.

The Transfer of this strategy took 20 years from New York to Moscow – another  ideological interpretation.


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Hot Images

Hot Images – mimetic – iconic

Any complaint about the lack of religion today is a testimony of ignorance. We have our GODS, Our Pantheon resembles that of the Ramayana: elephants, apes, snakes, trees and flowers – Hitler, Stalin, Kennedy, John Lennon, Greta Garbo, Marilyn and Micky Mouse.

We are renewing it every day. GODS shine up and disappear. They are part of the images which enter us regularly. They are hot for some time and cold afterwards. A hot image is not necessarily a good image. It is obsessive and provokes a question which has to be answered. The traffic of these images is immense. Their transfer is accompanied by misuses and errors. Sometimes errors are useful.

The images I choose are taken from the domain of the arts, a line of contemporary thinking and of image production. It is not the limited line of conventional art which is shown in conventional museums and galleries. It is not the line of hot places which exchange high-prized art trophies. It is the broad line of image production which has been often misused by political and esthetic dictators, which finally determines our exuberant Pantheon. It needs a neverending analysis of this enormous world of images and it needs museums which are able to expand the traditional notion of what art is.

Every image separated from the time of its origin pretends timeless values. It seems to profit by the fact that the circumstances of its creation are forgotten. It rises into our Pantheon as a argument of belief. In the big line of masterworks in art history there are few that belong to those in which we believe. Some are surrounded by small sectarian audiences of believers, some are adored by millions: the black square on white field by Malewitch, the Mona Lisa. Neither the material appearance nor the factual history of the creation of these two paintings have considerably contributed to raise them into our Pantheon. Their believers know the from books, postcards and the www. But what has strongly contributed to make them arguments of belief has been the radiance of the eras in which they were created: that of the October Revolution and that of the Renaissance. These eras regarded as landscapes in our migrations through time and space are part of our Pantheon, too.

 

In the Ramayana the Pantheon is wide open to the human beings, and the base of the text is a dialogue between Man and many Gods about mimesis and iconicity:  imitate the Gods and  create images of therm.

It seems important to draw a line between mimetic images and icons, and the significance of that line grows. Mimetic images seem innocent. They are narrative, tell stories, they can consist of many elements ordered scientifically in central perspectives or others. On the contrary, the iconic image can be dangerous, being a concentrated amalgam of meanings, a compression of power. Both are condemned to be forgotten and rediscovered like the stories they tell and the power they represent. Who knows the story of Diana and Acteon? Who knows the power of Charlemagne?

Redigiertes Vorwort zu einem Dia-Vortag, den ich am 20. August 1992 in der Bibliothek Nobel der Schwedischen Akademie in Stockholm gehalten habe. Eine Auswahl der Bilder und ihrer Kommentare folgt. Zum Englisch üben.

  1. Aachen, Cathedral, 794-801

„Aurea Roma iterum renovata renascitur orbi” – “The Golden Rome renovated another time, will be given back to the world” Following the will of the emperor Charlemagne his chapel was built after Byzantine models, and original columns with their capitals were taken from Ravenna and Rome. As Napoleon admired Charlemagne as his powerful ancestor he ordered to take most of the columns and their capitals to Paris when he conquered Aix-La-Chapelle. They can be seen today as part of the interior decoration of the Louvre.  The columns, originally functional members in an architectural order, had become iconic images of imperial power when they were put into the early medieval chapel. The columns in the upper arcades do no more support horizontal weights, but are inserted into the semi-circular openings of the deambulatorium – functionally senseless and purely decorative, architectural errors, but powerful iconic images. Napoleon understood.

 

 

 

 

 

 

 

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Kunstpreis Aachen

K UI N S T P R E I S A A C H E N
Namhafte Künstler haben diesen Preis erhalten und sind mit Ausstellungen geehrt worden – Luciano Fabro, Katarina Fritsch, Ilya Kabakov, Richard Tuttle, Christian Boltanski, A. R. Penck, Pawel Althamer, Phillida Barlow, Franz Erhard Walther u. a. 2018 hat ihn der libanesische Künstler Walid Raad angenommen. Das Aachener Kunstpublikum freut ich, ihn und sein Werk kennen zu lernen. Er lebt in New York und Beirut und arbeitet unter dem Namen der mittlerweile weltbekannten „Atlas Group“, deren Online-Archiv eine Fülle von Foto- und Textmaterialien zu kriegerischen Auseinandersetzungen und Vernichtungen von Menschen im libanesischen Bürgerkrieg der 80er Jahre enthält. In seinen Notizen und Fotos, die dort zu sehen sind, schildert Raad, wie sie, die Bewohner der umkämpften Stadt, Patronen und Schrapnells, die herumlagen oder in Häusermauern steckten, gesammelt, getauscht und gehandelt haben, und untersuchten, aus welchen Ländern die Waffen stammten, die sie abgeschossen hatten: USA, England, Schweiz, Israel, Frankreich, China, Saudi-Arabien. Videotapes von Sonnenuntergängen an der Corniche, der Uferpromenade von Beirut im Archiv sollen von einem Mitarbeiter des Geheimdienstes stammen, der den Auftrag hatte, diese zu beobachten. Er sei verhaftet worden und hätte die Tapes dem Archiv geschenkt – „I only wish that I could weep“. Fotos aus diesem Archiv sind im Museum of Modern Art in New York gezeigt worden, und das Stedelijk Museum in Amsterdam bereitet eine Ausstellung vor. Selten hat ein Künstler es geschafft, eine Perspektive auf zeitgenössische Kriege in einer Weise zu werfen, die so eindrucksvoll das Gleichgewicht zwischen Erlebtem und Erfundenem, Nüchternheit und Empörung, Bericht und Anklage, Zynismus und Verzweiflung hält.
2016 war Walid Raad eingeladen, in der Synagoge von Stommeln auszustellen. Er ließ ihre Fenster und Türen verbarrikad,ieren (Zugang über die Empore) und innen einen Tunnel, einen Fluchtweg graben, wie sie in Libanon ebenso bekannt waren wie an der Berliner Mauer oder im Warschauer Ghetto – “Those that are near. Those that are far“.
Abb. Installation Synagoge Stommeln 2016
Die Zerstörungen Beiruts im Bürgerkrieg haben den amerikanischen Künstler Robert Longo damals zu der riesigen 4-teiligen Grafitzeichnung der Ruinen angeregt, vor denen eine lebensgroße schwarze Polyesterfigur. tödich getroffen, niedersinkt. „Now everybody (For R. W. Fassbinder) 1982/83 Sammlung Ludwig


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Mobile Skulpturen

MOBILE SKULPTUREN
2014 schaute ich in Vaduz einer ufo-artigen glatten grauen Scheibe zu, die gemessen über eine Wiese glitt, an ihren Rändern verhielt, sich umwandte und ohne Ende weiterfuhr: ein Rasenmäher. Ich erinnerte mich an die fahrenden „Bugs“ /Wanzen des amerikanischen Bildhauers Robert Breer, die ich im März 1968 in der Kölner Galerie Ricke erlebt hatte, und die 2 m hohen 6-eckigen Aluminiumstelen mit grünen Styroporkappen, die mich umkreisten und anstießen. 1968, im Jahr, in dem alles anders wurde, waren Skulpturen aus ihrem Schlaf erwacht, sie bewegten sich, und ich stellte mir eine Halle mit wandernden Werken von Rodin, Moore, Brancusi und Arp vor, die sich in wechselnden Ansichten begegnen würden.
Mein Freund, der Bildhauer Joachim Bandau, hatte die Ausstellung auch gesehen und entwickelte ein Projekt, das er mit einem Stipendium im Werk der Daimler Benz AG in Sindelfingen realisieren und in der documenta 6 1977 vorführen konnte: 5 Stahlblechskulpturen auf Rädern, angetrieben von Scheibenwischer-Motoren von Bussen – in der Abteilung „Fahrzeuge – Utopisches Design“ mit Werken von Hans Salentin, Panamarenko, Hans Hollein, Gianno Piacentino, Don Potts und Krysztof Wodiczko.
Bandaus „Fahrzeuge“ waren Behälter, die je einen Menschen aufnehmen konnten, ihn aber in eine eingeengte Haltung zwangen (wie „Knien“: die Hassliebe des rheinischen Katholiken zur Kirche!). Die Sponsoren konnten die Vorstellung des Automobils als „Sarg“ nicht gut leiden, zumal alle von der „Ölkrise“ sprachen.
Bandau arbeitete bis zur Mitte der 70er Jahre an einer großen Gruppe von fahrbaren Skulpturen auf Rädern, meistens aus glasverstärktem Polyester und glatt, gleichsam antiseptisch lackiert, zuweilen einem surrealistischen Möbeldesign angenähert – und ließ sie in seinem Aachener Atelier zurück, um sich neuen Entdeckungen zuzuwenden. Erst in den letzten Jahren hat er sie wiederentdeckt, renoviert und erfolgreich bekannt gemacht.
Abb. Sesserlfiguren 1971 glasverstärkter Polyester Lack Mixed Media 112x75x75cm – „Späher“ 1974 Sammlung Centre Pompidou, Paris


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Van Gogh im Chinesischen Meer

VAN GOGH AM CHINESISCHEN Meer
Im April 1996 schickte mir der Kulturattaché der Rotchinesischen Botschaft in Bonn-Bad Godesberg einen freundlichen Brief und ein 120 x 120 cm großes Bild des Malers Li Hong Tao, das ich zuvor im Pekinger Atelier des Künstlers bewundert hatte. Scherzhaft hatten wir ihm nach einer langen Unterhaltung über die Begegnungen von asiatischer und europäischer Malerei den Titel „Van Gogh am Ufer des Chinesischen Meeres“ gegeben. Ich habe den hoch gewachsenen Mann bewundert. Der Dolmetscher stellte ihn mir als einen Heilkundigen vor, der in den Augen innere Krankheiten diagnostiziert. Besucher im Pekinger Museum Ludwig fragten wissbegierig nach Techniken: Leinwand, Öl, Acryl, Linolschnitt waren dort unvertraute Elemente, wo über Jahrtausende mit Tuschen auf Papier gemalt worden war. Aber erst Sun Yat sen, der Präsident der 1. Chinesischen Republik hatte Ölmalerei auf Leinwand sanktioniert, und so malte Tao Li Hong – ein abstrakter Expressionist – auf den Spuren von Jackson Pollock!
Die dünne Leinwand ist über einen gezimmerten Holzrahmen gespannt und ungrundiert, so dass die Farbe in Flecken durchschlägt. Pinselzüge sind weniger zu erkennen als Spritzer und Kleckse – so wie die in den „10.000 hässlichen Tuscheklecksen“ von 1685 des berühmten Landschaftsmalers Shitao. Tao Li hat 1986 „gekleckst“: in hellen, heiteren Farben sparsam zuerst auf die Leinwand, die sichtbar bleibt; darüber schiebt sich eine kräftige blaue Front von links oben so dramatisch gegen ein Gestrüpp von dunklen, muskulösen Balken, als bliese ein Orkan diagonal durch das Bild. Dicke Tropfen schwarzer Farbe sind mittlerweile getrocknet und liegen geknittert auf dem Tuch.
Das Bild hängt in meinem Zimmer. Li hat nie angedeutet, dass das Geschenk mich verpflichte, ihm eine Ausstellung zu organisieren, so habe ich es nicht zurückgeschickt, und wir haben uns aus den Augen verloren. Es ist eines der Elemente, die meine Liebe zur chinesischen Kunst und Kultur zusammensetzen.